Boulettes de poulet Général Tao

Conseil photo : l’importance des couleurs en photographie culinaire et commerciale

par LuanaConseil en photographiePublié le Aucun commentaire

Lorsqu’on photographie un plat ou un produit, la couleur joue un rôle clé dans la perception de l’image. Elle attire le regard, évoque des émotions et peut même influencer la perception du goût ou de la qualité d’un produit. Savoir bien utiliser les couleurs permet donc de créer des images percutantes qui interpellent. Dans cet article, nous allons explorer comment choisir et harmoniser les couleurs pour donner de la vie et de l’intention à une photo culinaire ou commerciale. L’harmonie des couleurs : choisir une palette adaptée Chaque image raconte une histoire, et les couleurs en sont une composante essentielle. Choisir une palette cohérente aide à transmettre l’ambiance souhaitée. Pour une photo douce et délicate, les tons pastel comme le rose poudré, le bleu ciel ou le beige apportent une touche subtile et élégante. À l’inverse, une scène dynamique bénéficiera de couleurs plus saturées, comme le rouge vif ou le jaune éclatant, qui attirent immédiatement l’œil. L’astuce consiste à ne pas multiplier les couleurs sans réflexion. Opter pour une palette de 2 à 3 couleurs principales permet d’éviter une image trop chargée. Un ton dominant, un ton secondaire et une couleur d’accentuation suffisent à créer un visuel équilibré et harmonieux. Contraste et complémentarité : jouer avec le cercle chromatique Le cercle chromatique est un outil précieux pour composer une image en jouant avec les contrastes et la complémentarité des couleurs. Les couleurs complémentaires – situées à l’opposé sur le cercle – créent un effet de contraste intéressant. Par exemple, un plat aux teintes orangées ressortira bien sur un fond bleu profond, tandis qu’un produit vert (comme un savon artisanal au thé matcha) se démarquera mieux sur un fond rougeâtre ou en bois foncé. Les couleurs analogues (celles qui sont proches sur le cercle, comme le vert et le jaune) offrent une approche plus douce et naturelle, parfaite pour une ambiance chaleureuse. Utiliser des tons proches donne une impression d’unité et de cohérence, tout en évitant que les couleurs ne s’entrechoquent visuellement. Créer une ambiance avec les couleurs de fond et les accessoires Les couleurs ne se limitent pas au sujet principal d’une photo : elles doivent aussi être réfléchies pour l’arrière-plan, les surfaces et les accessoires. Un fond foncé donnera un effet dramatique et raffiné, parfait pour des produits haut de gamme ou des plats riches comme un chocolat noir intense ou un steak saignant. À l’inverse, un fond clair mettra en avant la fraîcheur et la légèreté, idéal pour une salade estivale ou un dessert fruité. Les accessoires, comme les textiles, les assiettes et les ustensiles, participent aussi à l’ambiance colorée. Une simple serviette colorée peut ajouter une touche d’énergie ou, au contraire, renforcer une atmosphère feutrée. Jouer avec ces éléments permet de composer une scène équilibrée, sans détourner l’attention du sujet principal. La psychologie des couleurs : influencer la perception Chaque couleur évoque des émotions et des sensations bien précises, influençant ainsi la perception d’un produit ou d’un plat. Le rouge et l’orange, par exemple, sont des couleurs stimulantes qui rappellent la chaleur et l’énergie. C’est pour cette raison qu’on les retrouve souvent dans l’univers du fast-food. Le vert, quant à lui, évoque la nature, la fraîcheur et la santé, ce qui le rend idéal pour des produits biologiques ou végétariens. Le bleu est une couleur plus complexe à utiliser en photographie culinaire, car elle est peu présente dans l’alimentation naturelle et peut diminuer l’appétit. Toutefois, elle fonctionne bien pour des boissons, des produits glacés ou des mises en scène épurées. Jouer avec la psychologie des couleurs permet donc de renforcer le message véhiculé par l’image et de créer une connexion avec le spectateur. En photographie culinaire et commerciale, la couleur est bien plus qu’un simple élément esthétique : elle guide le regard, influence les émotions et met en valeur le sujet. En choisissant une palette harmonieuse, en exploitant les contrastes, en intégrant les bons éléments de décor et en tenant compte de la psychologie des couleurs, il est possible de donner plus d’impact et d’intention à chaque image. Expérimenter avec les couleurs et observer comment elles interagissent entre elles permet de perfectionner ses compositions et d’attirer l’attention de manière efficace et réfléchie.

Gaufres protéinées

Conseil photo : 5 astuces de superposition et de profondeur en photographie culinaire et commerciale

par LuanaConseil en photographiePublié le Aucun commentaire

La superposition est un élément clé en photographie culinaire et commerciale. En jouant avec les couches, les textures et les niveaux, on crée une image qui attire l’œil et raconte une histoire. Que ce soit pour capturer un plat gourmand ou mettre en valeur un produit, maîtriser cet aspect permet d’ajouter du dynamisme et du réalisme à ses compositions. 1. Jouer avec les éléments de premier plan, du sujet principal et de l’arrière-plan Une bonne composition repose sur une hiérarchie visuelle claire. Pour cela, structurer son image en trois plans – premier plan, sujet principal et arrière-plan – permet d’ajouter de la profondeur. En photographie culinaire, cela peut être une serviette ou des ustensiles en avant-plan, le plat en élément central et un décor subtil en arrière-plan. En photographie de produits, le produit phare doit être bien mis en avant, avec des accessoires ou des éléments suggérant son usage autour de lui. Cette disposition guide naturellement le regard du spectateur vers l’élément clé de l’image. 2. Superposer les éléments pour créer du réalisme Superposer légèrement certains objets dans la composition renforce l’effet de profondeur et d’authenticité. En photographie culinaire, cela peut être une assiette placée sur une planche en bois, un verre à moitié caché derrière un plat ou encore quelques miettes éparpillées pour accentuer l’impression de scène vivante. Pour la photographie de produits, il peut s’agir d’un emballage posé sur un tissu texturé, d’un bijou délicatement posé sur une boîte ou d’un produit de soins accompagné de ses ingrédients clés placés subtilement en superposition. 3. Varier les hauteurs et les niveaux L’utilisation d’éléments à différentes hauteurs permet d’éviter un rendu trop plat. Jouer avec des supports de tailles variées – comme des empilements d’assiettes, des planches à découper ou des caisses en bois – ajoute du relief. En photographie commerciale, des podiums en acrylique, des blocs de bois ou des socles en pierre peuvent être utilisés pour mettre un produit en avant tout en créant du contraste avec les autres éléments présents. 4. Travailler les textures pour enrichir la scène Les textures sont essentielles pour donner du caractère à une image. Associer des matières contrastantes – comme le bois brut avec de la céramique lisse, un tissu en lin avec du métal – apporte de la richesse visuelle. En photographie culinaire, un fond rustique associé à une nappe en lin froissé crée une atmosphère chaleureuse. Pour un produit, l’intégration d’éléments naturels (pierres, feuillage, tissu drapé) renforce l’authenticité et le positionnement de marque. 5. Utiliser les ombres et la lumière pour accentuer la profondeur La lumière joue un rôle fondamental dans la perception de la superposition. Une lumière directionnelle qui crée des ombres douces aide à distinguer chaque élément et renforce l’effet tridimensionnel. En photographie culinaire comme commerciale, jouer avec les ombres portées, les reflets et la lumière diffuse permet de structurer l’image et de lui donner un aspect plus naturel et dynamique. Maîtriser la superposition en photographie culinaire et commerciale permet d’obtenir des images plus vivantes et engageantes. En travaillant la disposition des éléments, les hauteurs, les textures et la lumière, on ajoute du relief et du réalisme à ses compositions. Que ce soit pour capturer un plat appétissant ou pour donner du punch un produit, ces techniques offrent un rendu visuel percutant et professionnel.

Conseil photo : photographier la vapeur ou la fumée

par LuanaConseil en photographiePublié le Aucun commentaire

Rien n’évoque mieux le réconfort de l’hiver qu’une boisson chaude qui fume doucement dans une tasse. Capturer la vapeur ou la fumée dans les photos culinaires ou de produit peut donner un effet visuel captivant et gourmand, mais cela demande un peu de préparation et de technique. Voici quelques astuces pour y parvenir avec succès. Utiliser la lumière adéquate pour faire ressortir la vapeur ou la fumée Choisir un éclairage arrière ou latéral pour mettre en valeur la finesse des volutes de vapeur ou de fumée. Ces types d’éclairage permettent de créer un contraste subtil entre la vapeur ou la fumée et l’arrière-plan. Préférer une lumière naturelle douce ou une source artificielle modulable pour garder un rendu naturel. Pour des effets plus marqués, utiliser une surface sombre en arrière-plan qui amplifie la visibilité de la vapeur ou de la fumée. Créer une vapeur ou une fumée visible Pour capturer une vapeur abondante sur un chocolat chaud, un café ou un plat mijoté, chauffer une éponge humide au micro-ondes et la placer discrètement derrière le sujet, hors cadre. Si vous voulez accentuer un effet de fumée dramatique pour une photo de produit ou un plat très chaud, brûler un petit morceau de charbon ou utiliser un bâton d’encen camouflé peut produire des volutes élégantes. Veiller à diriger cette fumée de manière subtile pour qu’elle reste en harmonie avec la scène photographiée. Figer les volutes au bon moment grâce à la bonne technique d’appareil Utiliser une vitesse d’obturation rapide (1/200 s ou plus) pour figer la finesse des volutes. Installer un trépied pour stabiliser l’appareil et ajuster les paramètres sans bouger. Prendre plusieurs clichés en mode rafale pour capturer le moment idéal où la vapeur ou la fumée prend une forme élégante et captivante. Si nécessaire, utiliser une télécommande ou un retardateur pour minimiser les vibrations. Soigner la mise en scène pour renforcer l’ambiance Créer un décor qui évoque la chaleur ou le mystère selon l’effet recherché. Pour un chocolat chaud ou une boisson d’hiver, ajouter des accessoires comme des guimauves, une cuillère en bois, un linge de table en lin ou une couverture en tricot. Pour un plat fumant ou une ambiance dramatique, intégrer des accessoires rustiques, comme une planche de bois ou des ustensiles en métal vieilli. Veiller à ne pas surcharger le cadre pour garder l’attention sur la vapeur ou la fumée, qui doit rester l’élément central. Retoucher en post-production pour un effet subtil et naturel Que la photo ait été prise sur un téléphone ou un appareil photo, l’édition peut s’avérer un atout pour accentuer la vapeur ou la fumée en jouant sur les contrastes et la clarté en post-production. Augmenter légèrement les zones de hautes lumières pour faire ressortir les volutes, mais éviter de trop exagérer afin de conserver un aspect réaliste. Pour un effet artistique, utiliser un pinceau en post-traitement pour ajouter ou intensifier la fumée dans des zones spécifiques, tout en respectant les ombres et la lumière de la scène. L’édition sur un téléphone peut se faire avec l’application Snapseed et/Lightroom. Lightroom peut aussi être utilisé sur ordinateur avec un abonnement à la suite Adobe. En combinant ces astuces, il est possible de capturer des images à la fois authentiques et saisissantes, qu’il s’agisse d’une boisson réconfortante ou d’un plat au caractère fumant et dramatique. Ces techniques permettent de mettre en valeur la chaleur et la texture des aliments, tout en ajoutant une dimension visuelle captivante

Soupe à l’oignon gratinée à la bière et au bacon

Conseil photo : la magie de l’hiver en photo culinaire ou commerciale

par LuanaConseil en photographiePublié le Aucun commentaire

L’hiver transforme notre environnement en un décor féerique, et cette atmosphère particulière peut aussi inspirer nos photos culinaires et commerciales. Cependant, photographier en hiver demande une certaine adaptation, surtout pour les amateurs qui utilisent principalement la lumière naturelle. Avec les journées courtes, les tons froids et les défis propres à cette saison, quelques astuces simples peuvent faire toute la différence. Voici comment tirer parti de l’hiver pour capturer des images qui reflètent toute sa beauté et son ambiance unique. Maximiser la lumière naturelle en hiver pour des photos réussies La lumière d’hiver est unique, mais elle peut poser des défis pour la photographie culinaire et commerciale. Les journées plus courtes et l’angle plus bas du soleil influencent la qualité de la lumière disponible. Pour obtenir les meilleurs résultats, planifie tes séances photo entre 11h et 14h, lorsque la luminosité est à son apogée. Si tu utilises la lumière naturelle, rapproche-toi autant que possible de ta fenêtre ou ta source de lumière, et place un carton blanc ou un réflecteur pour adoucir les ombres et diffuser la lumière sur ton sujet. Créer une ambiance hivernale avec des couleurs et des textures L’hiver est le moment idéal pour exploiter des tons froids comme le bleu et le gris, qui évoquent la neige et la glace. Pour des palettes inspirantes, opte pour des combinaisons comme or/blanc/bleu ou marron/rouge/blanc. Ces couleurs évoquent à la fois la froideur de l’hiver et l’aspect chaleureux des fêtes. Ajoute des textures hivernales à ton image : un saupoudrage de sucre en poudre peut rappeler la neige fraîche, tandis que des gouttes de sirop d’érable ou de chocolat évoquent la glace fondante. Ces petits détails renforcent l’immersion dans la saison. Bien choisir et styliser tes accessoires pour l’hiver Quand il s’agit des accessoires, pense à une approche subtile pour éviter un rendu trop « thématique ». Plutôt que de poser des décorations festives directement dans ta scène, essaie des alternatives comme des miettes de biscuits au gingembre, des brisures de bonbons à la menthe ou des ramequins en argent. Ces touches « un pas à côté » ajoutent de l’élégance tout en restant fidèles à l’ambiance hivernale. Les accessoires en argent, blanc ou or fonctionnent particulièrement bien pour donner un look glacé et raffiné. Exploiter l’édition pour sublimer ton ambiance En post-traitement, ajuste tes lumières et tes ombres pour recréer l’ambiance douce et diffuse de l’hiver. Diminue légèrement les blancs purs pour une teinte plus grise et brumeuse, rappelant les jours de neige. Cette approche contribue à adoucir les contrastes tout en gardant une esthétique cohérente et évocatrice de la saison. D’ailleurs, si tu souhaites faire tes ajustements, je te recommande l’application Snapseed. Elle est gratuite et offre de vastes possibilité d’édition de photos prises avec un téléphone. L’hiver, avec ses défis et son charme particulier, offre une palette d’opportunités uniques pour la photographie. En jouant avec la lumière naturelle, en intégrant des palettes de couleurs inspirées et en soignant les petits détails, même les amateurs peuvent capturer des images à la fois belles et évocatrices. Alors, enfile ton chandail préféré, installe-toi près de la fenêtre et laisse l’hiver t’inspirer pour tes prochaines créations photographiques!

Loi des tiers

Conseil photo : la composition en photographie culinaire et commerciale

par LuanaConseil en photographiePublié le Aucun commentaire

La composition est le cœur de toute photo réussie, qu’il s’agisse de magnifier un plat appétissant ou de mettre en valeur un produit pour le commerce. En maîtrisant quelques concepts clés comme la géométrie, la loi des tiers, la balance, les motifs répétitifs, le cadre et l’espace négatif, tu peux transformer une simple image en une œuvre visuellement alléchante. Voici quelques conseils pour donner vie à tes photo et engager ton audience. Utiliser la géométrie pour structurer l’image Les formes géométriques jouent un rôle essentiel en photographie, en particulier pour guider l’œil du spectateur. Les cercles (comme des assiettes ou des bols), les lignes droites (un couteau ou une fourchette) et les triangles naturels (les arrangements d’aliments) créent une structure visuelle qui capte l’attention. Pour une photo de produit, incorpore des éléments comme des plateaux, des bouteilles ou des accessoires qui forment des lignes ou des angles, tout en veillant à équilibrer ces formes pour un rendu harmonieux. Maîtriser la loi des tiers pour une composition dynamique La règle des tiers est l’un des principes fondamentaux en photographie. Divise ton cadre en neuf parties égales grâce à deux lignes horizontales et deux lignes verticales, et place les éléments clés sur l’une de ces lignes ou aux intersections de ces lignes. Par exemple, dans une photo culinaire, place l’assiette principale ou l’ingrédient vedette à ces endroits pour un résultat naturel et équilibré. Pour des produits, cela permet de mettre en valeur l’objet tout en laissant de l’espace pour raconter une histoire avec le décor. Trouver la balance parfaite entre les éléments La balance visuelle est cruciale pour éviter que ta composition ne paraisse trop lourde d’un côté. On peut s’imaginer la photo reposant sur un axe vertical et un horizontal. Il faut que les éléments la composant ne fasse pas en sorte qu’elle pivote dans un sens comme dans l’eau. Il n’est pas évidemment pas nécessaire que les éléments soient exactement équivalent. On peut combiner des éléments légers, comme des ustensiles délicats, des linges ou des garnitures légères, avec des éléments plus imposants, comme des plats principaux ou des bouteilles, pour créer une harmonie. Si tu photographies plusieurs produits, joue avec les tailles et les couleurs pour équilibrer l’ensemble tout en attirant l’œil vers le point focal. Jouer avec les patrons et la répétition Les motifs répétitifs et les textures ajoutent une profondeur et un dynamisme intéressants à tes photos. Pense à des alignements de verrines, à des rangées de biscuits ou à des emballages similaires disposés en grille. Ces répétitions créent une sensation d’ordre qui est plaisante pour l’œil. Pour casser la monotonie, essaie d’introduire une petite variation : une tasse renversée, un biscuit croqué, ou un produit légèrement décalé. Encadrer pour diriger le regard Le cadrage consiste à utiliser des éléments de la scène pour entourer ton sujet et attirer l’œil vers celui-ci. En photographie culinaire, cela peut être des ustensiles placés en arc de cercle autour d’une assiette, des mains tenant un plat, un plat de service, un linge, une grille, une planche ou simplement un bol ou une assiette.  En photographie commerciale, un emballage mis en valeur par des éléments naturels comme des plantes ou un fond architectural peut renforcer le lien visuel entre le produit et son environnement. L’importance de l’espace négatif Ne sous-estime pas la puissance de l’espace négatif, cet espace vide autour de ton sujet. En laissant respirer tes photos, tu permets à ton sujet de se démarquer. Cela est particulièrement utile en photographie commerciale où l’espace négatif peut servir à ajouter du texte ou un logo sans nuire à la composition.  En photographie culinaire, il amplifie l’effet minimaliste et met en avant la texture et les détails du plat. En conclusion La composition est une question d’équilibre entre structure, créativité et intention. En appliquant ces principes, tu peux raconter une histoire visuelle qui non seulement attire l’œil, mais qui met aussi en lumière ce qui rend ton sujet unique. Il n’est pas nécessaire d’utiliser toutes ces techniques en même temps lorsqu’on élabore une mise en scène, mais en appliquer quelques unes permettra de créer des images qui agréables pour l’oeil et le cerveau humain. Pour approfondir ces concepts, je t’invite à explorer mes autres articles sur le blogue où je partage des astuces détaillées et des exemples concrets pour t’aider à perfectionner ta technique. La maîtrise de la composition est un voyage passionnant, alors prends ton appareil, ton cellulaire et amuse-toi à expérimenter !

Luana photo fenêtre

Conseil photo : L’importance de l’éclairage en photographie culinaire et commerciale

par LuanaArticle de blogue,Conseil en photographiePublié le Aucun commentaire

Que tu sois amateur ou passionné de photographie culinaire et commercial, ça c’est la photo de produits ou d’objets, l’éclairage est l’un des éléments les plus importants pour réussir tes clichés. L’éclairage, qu’il soit naturel ou artificiel, peut complètement transformer une photo en mettant en valeur les textures, les couleurs et les détails d’un plat ou d’un produit. La lumière naturelle versus la lumière artificielle La lumière naturelle est une option abordable qui peut toujours être considérée pourvu qu’elle soit utilisée adéquatement.   Pour y arriver, la meilleure façon est de positionner près d’une fenêtre, de préférence le matin ou en fin d’après-midi, quand la lumière est douce. Si tu trouves que la lumière est trop intense, un rideau fin peut servir de diffuseur pour adoucir les ombres. Si tu travailles en soirée ou dans un espace avec peu de lumière, un éclairage artificiel bien ajusté peut sauver la situation. Une lampe LED ou un softbox peut imiter la lumière naturelle. Assure-toi d’éclairer le plat de manière uniforme pour éviter des ombres dures. Attention au ampoules de type Edison ou celle avec une lumière dite  « blanc chaud », selon peut amener une distorsion ton image en la faisant paraître plus jaune qu’elle ne l’est en réalité. Positionnement de la source lumineuse Si tu utilises une lumière artificielle, il est important de positionner ta source lumineuse à environ 45 degrés par rapport à ton sujet. Cela permet de créer des ombres douces et de donner du relief à tes plats. Expérimente en déplaçant légèrement ta source de lumière pour voir comment elle sculpte les formes et révèle les textures. Dans un prochain article, nous verrons les angles entre le sujet et le photographe. La gestion de l’ombre Réflexion ou absorption de la lumière Pour jouer avec la lumière et obtenir des effets précis en photographie, deux accessoires très simples et efficaces : le carton blanc et le carton noir ! Carton blanc : Utilisé pour réfléter la lumière, il aide à éclaircir les ombres trop marquées et à adoucir les contrastes. Place un carton blanc près de ton sujet, du côté opposé à la source lumineuse, pour renvoyer une lumière douce et équilibrée. C’est idéal pour éclairer les zones sombres sans ajouter une deuxième source de lumière. Carton noir : Au contraire, le carton noir sert à absorber la lumière et à accentuer les ombres. Il est parfait pour ajouter du contraste et de la profondeur, surtout si tu souhaites mettre en avant les reliefs et textures d’un plat. Place-le près de ton sujet pour créer une ambiance plus dramatique ou pour mieux définir les contours. En jouant avec ces deux cartons, tu pourras facilement modeler la lumière et les ombres, même dans un espace minimaliste, et donner du caractère à tes photos. Pour ajouter à l’importance de l’éclairage, il est crucial de comprendre le rôle des ombres et comment les maîtriser selon le type d’éclairage que tu choisis. Ombres franches vs ombres diffuses Selon le résultat voulu, il peut être intéressant de varier le type d’ombres. Tu peux y arriver avec quelques accessoires. Ombre franche : Si tu utilises un éclairage direct, comme une lumière naturelle sans filtre ou une lampe non-diffusée, tu obtiendras des ombres franches. Cela peut ajouter du contraste et donner un look dramatique à tes photos, en mettant en avant les contours et les reliefs des plats. Cependant, cette technique peut être trop dure pour certains plats délicats. Un éclairage direct va produire des ombres nettes et contrastées. Cela peut apporter une impression de profondeur et d’intensité. Ombre diffuse : En utilisant un diffuseur (rideau, softbox, ou même une feuille de papier blanc), tu créeras des ombres diffuses,. Cela est aussi le type de lumière qui provient d’une journée nuageuse. Cela adoucit l’éclairage, réduit le contraste entre les ombres et les endroits plus exposés et donne une sensation plus douce, idéale pour les photos où tu veux mettre en avant la légèreté des textures. Avec un éclairage indirect, tu crées une ambiance plus naturelle. La lumière devient plus douce, créant une image plus apaisante et appétissante. En conclusion, maîtriser l’éclairage est essentiel pour faire passer une photo de simple image à photo inspirante et alléchante. Que tu préfères la lumière naturelle ou artificielle, chaque source a ses avantages et ses particularités. Le choix de l’angle, l’utilisation stratégique de cartons blanc et noir pour moduler les ombres, et la décision entre une lumière directe ou diffuse te permettent de sculpter l’ambiance de tes photos et de mettre en valeur chaque détail de tes plats. En expérimentant avec ces techniques, tu trouveras progressivement ton propre style et sauras capturer l’essence de tes créations culinaires dans toute leur splendeur.